在中国当代油画界，何振浩的名字与“写实”紧密相连。作为上海师范大学美术学院副教授、硕士研究生导师、造型艺术系主任，他的身份跨越艺术家、教育者与研究者，以多元视角在传统与创新的交织中开辟出独特的艺术路径。从中国美术学院到上海师范大学，从传统写实到当代艺术的探索，何振浩的艺术之路充满了对写实油画的执着与对当代艺术的探索。

何振浩的艺术生涯既是一场对技艺的深耕，也是一次对生命与时代的深刻叩问，试图在写实与当代之间找到一种平衡，用画笔记录时代的变迁与人类的情感，表达对世界的深刻思考。

写实油画的启蒙与深耕

1975年，何振浩出生于浙江海宁，自幼便对绘画展现出了浓厚的兴趣。他的艺术之旅在中国美院附中悄然启航。1994年，他顺利从中国美院附中毕业，并凭借优异的成绩考入了中国美院油画系，这段学习时光让他与写实油画结下了不解之缘。

然而，何振浩坦言，在本科阶段，他曾一度感到迷茫。“那时候年轻气盛，我还沉迷于乐队，未能全身心投入专业发展中。”他回忆道。

1998年，何振浩从中国美院毕业后，在杭州一所中学当了一名美术老师。三年后，他毅然决定继续深造，考入了上海师范大学美术学院攻读硕士学位，并有幸师从著名画家徐芒耀教授。“这阶段的学习，让我重新夯实了专业基础。”何振浩感慨地说，“我对写实油画有了更为深刻的理解，也找到了属于自己的艺术道路。”

2005年，何振浩以优异的成绩从上海师范大学美术学院硕士毕业，并留校任教，此后他的艺术生涯与教学紧密相连，相辅相成。2010年10月，何振浩获得上海市年度特别文艺人才奖。

作为访问学者，何振浩曾于2012年前往中央美院，跟随油画系材料表现工作室的张元老师学习。这一年的脱产学习，使他在绘画材料与技法上取得了新的突破，对油画的表现力有了更为全面的认识。何振浩开始尝试将传统写实技法与综合材料相融合，探索油画语言的多样性。

四年后，何振浩考上了上海师范大学哲学学院美学博士专业，师从刘旭光教授。三年的博士生涯，让他得以从哲学的视角重新审视艺术，将艺术实践与社会学、美学理论紧密结合，形成了“技、艺、道”三位一体的独特创作观念。

2017年，何振浩参加了中央美院国家艺术基金“油画肖像画高端人才培养”项目。这一项目不仅让他结识了更多杰出的同行，更让他对肖像画有了全新的认识，为后续创作提供了源源不断的灵感与启迪。“肖像画不仅是外貌的描绘，更是人物内心世界的真实写照，”他深有感触地说。

对于何振浩而言，绘画不仅是技术的累积与现实的再现，更是一种思想的传递，一种对世界的深刻感悟与独特表达。“我画人物，更像是画一种内心情绪；我画景，也像是画我自己的内心投射。”何振浩说。何振浩的创作过程常常充满了不确定性与挑战，但正是这种不确定性，让他的作品充满了生命力。

写实与当代的碰撞

何振浩的绘画风格以写实为主，但他并不局限于传统的写实语言。他的作品既继承了古典写实油画的精湛技艺，又融入了当代艺术的观念与表达方式，常常通过细腻的笔触和含蓄的情感，展现当代人的精神状态与心理特性。

2008年，何振浩创作的《美人鱼》，通过超现实的构图与古典技法结合，探讨现代人的精神困境。2009年的作品《等待夕阳》则以老宅的残影映射城市化进程中的文化断裂。

何振浩尤其擅长以“微小之物见宏大”。在《老宅记忆》（2013年）中，斑驳的墙面与褪色的家具成为时间与记忆的载体，丹培拉技法的叠加赋予画面历史的厚重感。这种对日常物的诗意化处理，既延续了古典写实的严谨，又融入了当代艺术的观念性，形成独特的“隐喻现实主义”风格。

何振浩的女性系列作品以忧郁的氛围著称，画面中的人物常常处于一种孤独的冥想状态，仿佛在思考生命的意义与存在的价值，而男性肖像系列则表现出内在的力量感，表达了对这个世界的无声回应。

与此同时，何振浩也在尝试将当代艺术的观念融入写实绘画中。他的风景系列作品以不寻常的视角表现平常之物，试图在微小中体现宏大，在平实中凸显生命的精彩与悲情，他希望通过绘画，表达对当代社会的思考与关怀。

“酿画”是何振浩对创作过程的比喻——如同酿酒般反复沉淀、发酵。他常以多层罩染技法营造画面的深邃感，认为“每一遍覆盖都是对物象与内心的双重挖掘”。这种创作哲学使他的作品在写实表象下充满哲思，如《活水》系列（2013年）通过水的流动性与凝固感，探讨生命与时间的辩证关系。

2011年，何振浩的作品亮相法国巴黎“上海青年美展”，以东方写实语言对话欧洲当代艺术。2019年，何振浩参加西班牙巴塞罗那TIAC Academy与M.E.A.M现代艺术博物馆共同主办的展览——“具象绘画在中国”邀请展，并获得MEAM评委会奖。2021年4月，作品《小佛头》和《远眺阿尔瓦拉辛》以静物与风景的哲思征服国际评委，分别在“从塞维利亚到中国”委拉斯凯兹绘画雕塑大赛中获静物单元一等奖和风景单元三等奖。2022年8月，参加第二届委拉斯凯兹绘画雕塑大赛获最佳创新奖三等奖。

何振浩始终强调“本土性”是国际对话的根基。在2024年第十四届全国美展中，他以策展人身份推动油画展与数字艺术的跨界呈现，主张“科技应服务于艺术的人文内核”。这种理念也体现在他的创作中——2021年的《大河谷》以数字技术辅助构图，却以传统笔触保留手绘的温度，展现“技术赋能而非取代”的艺术立场；该作品参加“追光合奏” 提香绘画大赛学术邀请展，获大赛提名奖。

面对AI与数字艺术的冲击，何振浩表现出冷静的乐观：“科技可以生成无数方案，但选择的标准永远来自人的心灵。”他近年参与的“油画保护与修复科技手段应用”项目（2019年）正是这一理念的实践——通过光谱分析等技术修复古典油画，同时坚守手工修复的不可替代性。

对于中国油画的未来发展，何振浩提出“大绘画”概念：打破材质与画种的界限，以综合视角重构艺术教育体系。在他看来，传统写实与当代实验并非对立，而是“同一棵树上的不同枝叶”。

在学院与社会的交汇处播种

上海师范大学是何振浩职业生涯的第二个驿站。桂林路上的校门朴素而庄重，仿佛诉说着岁月的沉淀。踏入校门，一条林荫道引领着前行的脚步，直至尽头那“为人师表”的造型花坛映入眼帘。开阔的操场、幽静的红砖教学楼、生机勃勃的大草坪、波光粼粼的学思湖，这些景象如同一幅幅生动的画卷，深深镌刻在他24年的光阴记忆中。它们不仅见证了他的青年韶华，如今也正陪伴着他步入中年的新篇章。

何振浩的艺术成就斐然，不仅体现在他那一件件匠心独运的作品中，更彰显在他对艺术教育事业的卓越贡献上。他既是一位才华横溢的艺术家，又是一位拥有独到学术见解的学者。在他的悉心栽培下，一批批优秀的艺术人才脱颖而出，为艺术界输送了源源不断的新鲜血液，其中不乏当代艺术界的中坚力量。

“绘画教育的目标，是让学生成为有思想的艺术家。”何振浩说，“我们需要教会学生如何洞察世界，如何发现问题并整合信息，更要教会他们如何思考。”在他的课堂上，学生不仅学习写实油画的技法，还通过大量的实地调研，深入理解艺术与社会的关系。

何振浩始终致力于探索创新的教学模式，他深信，大学教育亟需注入一股新鲜血液，突破传统教学的框架，不应被既有的教育模式所局限。何振浩主张，教学并非必须局限于教室之内，有的课程在户外特定环境中进行或许更为贴切，而有些课程则鼓励学生走出教室，自主查阅资料、搜集素材。

为此，他坚持不懈地带领学生深入乡村进行写生实践，让学生们摆脱日常生活的慵懒状态，全身心地沉浸于创作之中。“这样一来，学生的专业技能得到了显著提升，师生之间的关系也变得更加融洽紧密。”他欣慰地说。除此之外，何振浩还大胆尝试将工作营的模式融入课堂教学，作为对传统教学方式的有益补充。通过一系列短期、高效、快捷的项目实践，有效激发了学生的创新思维和创造力。

何振浩的教学以“专业性与开放性”为特色，既传授古典技法，又鼓励学生探索个性化表达。他提出“基础是根，视野是翼”的理念，强调本科阶段需夯实技术，而研究生阶段则需培养批判性思维与社会洞察力。  

2019年，何振浩参与上海刘海粟美术馆的教学项目，探索如何将城市文化空间转化为“开放式课堂”，为艺术教育开辟新天地。他主导的“绘画创作理论”课程，打破了传统教学模式的束缚，通过精心设计的16个主题模块，将艺术史、美学理论与创作实践紧密融合。

以“当代艺术的符号学分析”单元为例，何振浩引导学生从敦煌壁画的古老韵味到安迪·沃霍尔作品的现代气息中提炼文化符号，从而培养出学生跨时空的审美判断力和深邃的艺术洞察力。

这种独树一帜的教学方式，不仅极大地激发了学生的创造力，也为何振浩本人的艺术创作注入新的灵感。例如，他的作品《执笔者》（2011年）中对工具与人的关系深刻探讨，便是在课堂理论碰撞中闪现的火花。

何振浩并非一位拘泥于单一风格的画家，他热爱在绘画的广阔世界里自由探索、尽情玩味，因此他的绘画风格多样且变幻莫测。这种风格上的多样性，在教学过程中也发挥了极大的启发作用，避免了学生被老师的某种固定风格所局限，鼓励他们勇敢追寻自己的艺术语言。

“艺术教育的终极目标，是培养具有敏锐洞察力的艺术家。”何振浩深情地说道。他衷心希望通过自己的教学，能够助力学生找到属于自己的艺术方向，让他们在未来的艺术道路上勇往直前，走得更远、更稳。

谈及艺术生的职业前景，何振浩坦率地表示：“毕业后，能够全身心投入创作的学生仅占两成左右，而真正成为艺术家的更是凤毛麟角。但艺术教育的意义，在于让每一个人都能学会以美学的视角去审视生活。”他积极倡导学生们投身于公共艺术教育之中，并努力推动美术馆与高等学府之间的资源共享与合作联动。

存疑是一个不断出现的心灵节点

回顾近年来的绘画艺术历程，何振浩坦言，存疑始终是他心灵深处一个不断浮现的节点。他之所以坚持不懈地绘画，正是因为在这种存疑的状态中，他始终怀揣着解疑的渴望。创作的起始总是伴随着模糊与混沌，而后逐渐变得清晰、明朗。然而，清晰之后又会有新的疑惑涌现，如此周而复始，构成了他绘画过程的常态。

幸运的是，何振浩的作品往往需要经历漫长的绘制过程，这为他提供了一个充分自我矛盾又自我化解的纠结过程。他留下的每一幅作品，都像是这场心理纠结的副产品，让人难以界定它们究竟是完成了还是未完成。

在展览时，作品或许能暂时停留于某一状态，但当他开启新的画布时，内心解疑的企图便又蠢蠢欲动。旧的绘画作品解答了之前的疑惑，却也可能引出新的谜团。于是，他再次踏上解疑的征程，过程跌宕起伏，而结果往往归于安静平实。

这或许就是何振浩认为可以停笔的关键时刻——当纠结暂时平息，疑惑得到暂时解答，画面所呈现的世界接近了他内心的那个理想图景。这，或许就是艺术家眼中独一无二的对象世界。

绘画，本就是在方寸画布上重新构建一种新的视觉秩序。这一过程虽不易，但当秩序逐渐明晰，便是停笔之时。画家不同于建筑设计师，无法将设想交付他人实现，而需亲自想象、独自营造。因此，画画的快乐、痛苦和成就感，唯有画家自己能够深切体会。

这个世界日新月异，不断带来新的信息和观念。然而，艺术却如同一道过滤器，对这些信息进行筛选和提炼。何振浩在尝试新事物的同时，也在不断地审视它们。他力求让这些新信息通过绘画的过程，自然而然地融入自己的画面，也渗透进自己的心灵。

在何振浩看来，历史上的绘画、东西方的绘画艺术，都是他这台过滤器中的重要元件；而自己内心的真实情感，则是这台过滤器的心脏。前者决定了绘画的深度，后者则赋予了绘画以真实。审视和思考伴随着他的绘画尝试，因为他始终有一个参照系统在衡量这些信息，从中提炼出最本质的东西，让它们融入画面，产生最有价值、最深刻的对话。

何振浩的绘画之路，就是在新旧事物的不断刺激中，自我思考、自我过滤，再存疑、解疑的过程。他凭借自己擅长的技艺，更加自如、深入、精确地实践着这一充满个人色彩且意义非凡的过程。最终，他留下的这些作品，见证了他在此时此地的存在与探索。

何振浩深信，绘画乃是人类思想的另一种图像史。画画这一艺术形式，其历史源远流长，早在被正式认定为艺术之前，就已承载着为帝王献祭、为宗教服务的重任。各古代文明之所以都拥有自己的绘画艺术，原因便在于它提供了一种截留我们所见世界的可行途径。在这一截留过程中，人的情感、愿望、幻想等主观思想自觉或不自觉地融入其中，使得绘画成为人类心灵的镜像。

艺术家们通过绘画，将自己眼中和心中的世界独占为己有，为其打上独特的标签与烙印。因此，在画家群体中，不乏那些怀揣梦想的狂人。他们或多或少都怀揣着一种用绘画改造和占有客观世界的企图。然而，留存下来的绘画作品所展现的世界，皆是画家们理想化的客观世界，因此每一幅作品都独具特色，异彩纷呈。

对何振浩而言，绘画已悄然成为他最为贴切的自我表达方式。无论生活如何风云变幻，无论世界如何新陈代谢，新事物层出不穷而旧事物逐渐消逝，绘画都是他选择的一种从容不迫、自言自语般的回应方式。他运用一笔一画、一层叠一层的最为质朴原始的手法，静静地记录着内心的波澜与思考的轨迹。在这场试图探索与把握的旅程中，他最终留存下了自己独特内心世界的瞬间定格。

历史，总是比现实更加深沉而厚重。每当他在绘画的海洋中遇到迷茫与困惑，翻阅艺术史总能为他点亮一盏明灯，带来无尽的启发与帮助。我们固然要直面当代社会的现实，展望未来的无限可能，但历史的脉络却能让我们洞悉那些隐藏在表面之下的珍贵线索。或许，这正是艺术经典所蕴含的、无法估量的真正价值。

从海宁少年的青涩起步，到如今成为学院教授的成熟稳重，何振浩的艺术生涯始终围绕着“酿”这个字眼展开：酿就技艺的醇厚韵味，酿出思想的深邃广度，酿出教育的温暖情怀。他的作品与教学，就像他笔下描绘的老宅与雪景，外表平静却内蕴磅礴之力，写实之中指向超越。

何振浩始终在绘画的广阔天地中探寻属于自己的语言与表达方式，在写实与当代之间寻找那微妙的平衡点，试图通过绘画这一媒介，向世界传达他深刻的思考与感悟。正如他所言：“绘画是自我解疑的无尽循环，每一幅画作都是对这个世界的一次全新提问。”

在这条不断追问的道路上，他将继续以笔为舟，扬帆远航，驶向艺术与生命的更深远处。他怀揣着对中国油画教育发展的热切期望，希望通过自己的创作与教学，为中国的艺术事业贡献自己的一份力量。

（张明泽 陈曦）

 

（责任编辑：贾伟）